My blueberry nights, de Wong Kar Wai

Cuando el cine es poesía, enmarcado entre el mágico paisaje urbano de Nueva York y la legendaria Ruta 66, cuando la cámara hace magia y extrae la belleza visual de todos y cada uno de los rincones, cuando las palabras son las justas para emocionar al espectador, cuando los actores son capaces de erizar el vello de la piel con la única arma de su expresión, cuando la fotografía y sus colores bailan acompañando a una expectacular banda sonora, y cuando el director logra que se disfrute a cámara lenta cada segundo del film y enamorarnos de sus imágenes en cada fotograma, se puede hablar de cine con mayúsculas, de toda una obra maestra.

Nora Jones está sobresaliente, nadie diría que no es una profesional de la interpretación. Jude Law, Natalie Portman, Rachel Weisz y David Strathairn son los otros protagonistas de esta historia, muy propia del cine de kar-Wai: personajes torturados por sus sentimientos, que se alejan, se necesitan y vuelven unos sobre otros adictos a su propio círculo vital. Pero lo que más impresiona de este magistral film no es la trama en sí misma, sino el sobresaliente e innegable poder visual de cada fotograma, las tomas con la cámara casi pegada a la piel de los personajes y muchas veces a través de cristales o espejos, el gusto exquisito de cada uno de los encuadres y el acertado ritmo de todo el metraje en su conjunto que lo convierte en un film perfecto, un hechizo desde el primer minuto hasta el último, una película imprescindible.

Otro de los puntos fuertes es la banda sonora: Norah Jones (The Story), Cat Power (Living Proof), Ry Cooder (Ely Nevada), Otis Redding (Try A Little Tenderness), Ruth Brown (Looking Back), Ry Cooder (Long Ride), Mavis Staples (Eyes on the Prize), Chikara Tsuzukii (Yumeji's Theme), Amos Lee (Skipping Stone), Ry Cooder (Busride), Cassandra Wilson (Harvest Moon), Hello Stranger (The Devil's Highway), Gustavo Santaolalla (Pajaros) y Cat Power (The Greatest). El tema que cierra el film es el compuesto por la Propia Norah Jones.

Fotografía, guión, actores, música, tono, montaje... una obra de arte, todo encaja perfectamente y hacen de esta una película excelente y que destaca sobradamente entre los films estrenados en el último año.

Luz silenciosa , de Carlos Reygadas

Diferente es el mejor calificativo que me viene a la mente para definir esta película del mexicano Carlos Reygadas, ambientada en un espacio bastante singular: una estricta y pacífica comunidad menonita asentada al norte de México, cuyos miembros hablan un curioso dialecto de origen germánico, el plautdietsch, lengua en el que está rodado el film. Los menonitas son una escisión del anabaptismo (movimiento alemán post-luterano y heterodoxo tanto del catolicismo como del protestantismo, que se autodenomina impecable -si, no pecan-, y rechazan por igual Estado e iglesia), seguidores de Menón, un predicador holandés del siglo XVI, que se rigen por rigurosas y estrictas normas, tanto materiales como morales. Es importante decir esto porque la película no informa en ningún momento de qué se está viendo, ya que se supone estamos en México y nos encontramos en realidad entre unos personajes blancos, rígidos cual almidón y un tanto pintorescos, como recién sacados de la holanda renacentista, que comienzan hablando en cuasi-alemán, que poco o nada tiene que ver con los habitantes autócotnos mexicanos, ante los que el espectador se queda un tanto perplejo por sus curiosas costumbres que pasan por mirarse de frente durante largos períodos del film y realizar extraños ritos, y cuyas relaciones se limitarían a su propio mundo interior y cerrado si no existiese la necesidad de cubrir ciertos bienes básicos.

La película comienza igual que termina: con un larguísimo amanecer (la misma escena con un atardecer al final del film) que entretiene la vista durante algo más de seis minutos; eso sí, todo un placer para los sentidos el magistral trabajo de cámara y fotografía a cargo de Aleix Zabe, que no sólo se queda en las imágenes de apertura y cierre: todo el metraje de dos horas de duración está impregnado de auténticos cuadros, obras de arte filmadas con maestría, utilizando luz natural, que logran ser lo más destacable del film y que, dicho sea de paso, en muchas ocasiones tienen poco que ver con el hilo de lo que en realidad se está contando.

Por otra parte, la historia en sí misma no da para demasiado y es bastante tópica: un hombre tiene que decidir entre el amor de dos mujeres, una es su esposa y otra la segunda oportunidad que la vida le ofrece, la contradicción entre los deseos y el sentido del deber para con su familia de siete hijos, la lucha entre la fidelidad a sus convicciones o la lealtad para consigo mismo.. En definitiva, el eterno tema de tantos films narrado de forma un tanto original; eso sí, contemplado desde el punto de vista masculino y ciertamente parcial, porque me permito poner en duda la pacífica y racional empatía de la que hace gala esta comunidad en el caso de que la adúltera fuese ella y no su marido..

De todas formas, da la impresión que el objetivo del director era tratar temas como el amor, el dolor, el sufrimento... en su estado puro, centrándose en una perspectiva mística sin entrar en las particularidades personales de los personajes. Aquí pordría ser coherente la propuesta escenográfica letargada, morosa y dilatada que recorre la película; pero, si este fuese el caso, el haber elegido una comunidad tan represiva, tan cargada de normas y -necesariamente- prejuicios, tal vez haya condicionado en demasía esos sentimientos que explora, pasando a ser las extrañas e interesantes relaciones entre los menonitas el centro de atención para el espectador.

Pues eso, una bella y artística película para contemplar disfrutando de su fotografía, de los planos, de sus paisajes y de las curiosidades que propone.. eso sí, con muuuuucha tranquilidad, sin pedirle más y, según la sesión que se elija, agenciándose un café bien cargadito antres de entrar en la sala.

It´s a free world (En un mundo libre, ken Loach)

Los niños que crecimos en la España de la pre-transición democrática, fuimos alimentados por muchos tipos de moralinas, unas pseudo-liberales, otras horrorosamente conservadoras, que servían de espejo a cada una de nuestras acciones diarias, historias que de algún modo tenían como objetivo encauzar voluntades mediante el temor, también someterlas, generalmente para la social-militancia no precisamente pagana. Más tarde sobrevino otro tipo de discurso, si cabe mucho más sibilino, que no venía de cara, que se mostraba disfrazado de progresismo racional, discurso que invitaba a que la participación social consistiera en votar y pagar tus impuestos. Y así, la panacea de las libertades colectivas de "Habla pueblo, habla", con Jarcha o María Ostiz como telón de fondo, dieron como resultado a medio plazo el bipartidismo imperfecto del que disfrutamos en la actualidad, cuyo juego pre-orgásmico se llama "campaña electoral", y del que pronto este país, 9 de marzo para ser exactos, logrará hallar el punto "G". A la sazón de estos acontecimientos, otros se avecinaron a comer del pastel de las mentes inquietas. Unos por puro esnobismo, aunque también los hubo altruistas; otros, simple negocio. Nos podemos llegar a sentir bien trabajando Gratis como voluntarios en ciertas tareas, apadrinamos niños de países pobres, asistimos esporádicamente a alguna manifestación más o menos festiva en pro de algo que nos parece importante, reciclamos y separamos selectivamente basuras para beneficio del planeta, y un largo etcétera de diversos productos para la limpieza de nuestras conciencias.. y votamos cada cuatro años, claro está.
También los hay que escriben y Venden libros o documentales proselitizantes, se embolsan desmesuradas cifras por bienavenidas conferencias y reciben por ello premios Nobel. En todo este panorama, el cine juega en ocasiones su papelito. Quizá por ello hay directores que abusan del discurso encorsetado del sistema creador de sus propios verdugos, naturalmente al margen de la voluntad de éstos, mostrándonos un mundo con una claro y creciente raquitismo de su conciencia social y marcada contingencia ética. Un discuro presuntamente prolífico, que en verdad sólo logra restregar por nuestras conciencias la realidad que muestra, ya que adolece de elementos que pudieran ser considerados desestabilizadores de ese sistema que pretendidamente denuncia. Vamos, una especie de pepito grillo de esa izquierda fosilizada, un "mea culpa" de todos y por tanto de nadie, que lejos de despertar inquietudes las sume necesariamente en el letargo, hasta tiempos mejores. Ahora me estoy acordando de aquella canción de Lluís Llach que decia "No es aixó, companys, no es aixó.." (no es eso, compañeros, no es eso). Tal vez porque soy de esas que aún cree que las cosas algún día van a cambiar, que el juego de desconcienciación en el que entró esa presunta izquierda social-reformista a fin de integrar a casi todos en las reglas de ciudadanía caerá como un telón en un teatro mostrando su verdadera cara y esta vez sí, veremos a cada uno en su sitio, y seguramente Papá Loach no esté en el mismo que yo. O a lo mejor eso es ser demasiasdo idealista, puro romanticismo, vamos.. personalmente espero que no.
Además de lo dicho, la protagonista es desagradable y uterina en exceso, la historia poco posible, y el thriller como tal, bastante obviable.

Viaje a Darjeeling (Wes Anderson)

Viaje a Darjeeling es en realidad un viaje a ninguna parte, porque Darjeeling no es un lugar concreto, porque Darjeeling es un tren que recorre la India de este a oeste, porque no se trata de un destino.. porque el destino nunca puede ser el medio que se utiliza para llegar a él.. o sí?. Pues ese es Wes Anderson, una rareza de director que no nos lleva a ningún sitio y a todas partes a la vez. Cult movie? Indie cinema? Postmodernismo?. Imposible encasillar a Anderson, cada nuevo film suyo es más sorprendente si cabe que el anterior. Cuenta, disfrazado de comedia absurda, las heridas del pasado que comparten tres hermanos que se reunen en el Darjeeting con ocasión de un viaje espiritual, aunque en realidad su objetivo es encontrarse con la madre que ejerce como misionera en la India, que no ha asistido al funeral del padre recientemente fallecido, que les abandonó siendo niños y de la que sólo uno de los hermanos tiene noticias mediante cartas.. En definitiva, la búsqueda de respuestas a la propia identidad, todo ello aliñado con los rasgos particulares de cada personaje, a cual más raro y extravagante.
La pelicula me parece muy acertada, personalmente he disfrutado bastante con el humor excéntrico que destila, que le aporta frescura y una fuerte personalidad. El color y la estética son otro de los puntos fuertes, tratados con máximo cuidado en el metraje, plagado de planos ocurrentes y extraños que dan esa original comicidad a situaciones que en realidad son profundamente dramáticas. Colorido, humor absurdo, diálogos aparentemente desquiciados, protagonistas con registros muy diferenciados y buenas interpretaciones de Owen Wilson, Adrien Brody, Jason Schwartzman, que me han recordado en muchos momentos situaciones parecidas al camarote de los hermanos Marx. Pues eso, Wes Anderson regalándonos otro film único con su inconfundible sello; una película agridulce, cien por cien cine, sin pretensiones comerciales y eso se nota.
A quienes no hayan visto nada de este director, es posible que al principio les cueste apreciar la gracia y el sentido a estas comedias que en realidad no son comedias, con personajes muy simples pero a la vez muy complejos por la riqueza de emociones implícitas que aportan, muchas veces perdidas en situaciones poco convencionales o ilógicas. No hay grandes presupuestos, ni efectos especiales, ni acción desmedida.. Un tren, el desierto, tres actores bajo su genial batuta, un relato atípico (muchas veces hilarante), y un guión que dice más de lo que parece. Dentro de algún tiempo, creo que lo que más recordaré es la escena primera y última a cámara lenta corriendo para subir a ese bellísimo tren. También el tema final "Les Champs-Élysées".. y que a pesar de que la historia en sí misma es un drama de órdago, te hace pasar la mayor parte del film con una sonrisa.

No es país para viejos (Joel y Ethan Coen)

Sensacional. Vuelven los hermanos Coen, los de siempre, los de la violencia desnuda de Fargo, las bordadas interpretaciones de Muerte entre las flores, el singular retrato de personajes de El gran Lewobski, el ritmo pausado de Sangre fácil.. todo eso es "No es lugar para viejos". Descomunal. La caza de un hombre en el esteril paisaje tejano es el argumento del film. La ausencia de banda sonora, la impresionante fotografía que se detiene unos segundos a cámara quieta en tomas magistrales para recrear la aplastante sordidez del ambiente, son el telón de fondo. El cuidadísima puesta en escena de personajes secundarios, retratados a la perfección antes de que digan una sola palabra, y la soberbia dirección de los tres actores principales, que logra arrancar la esencia de cada uno, hacen de esta película seguramente la mejor en mucho tiempo de los Coen; me atrevería a decir que la mejor, puesto que contiene todo lo bueno de su cine, como si hubiesen intentado extraer de cada película hecha con anterioridad lo más brillante para ofrecerlo ahora en un réplica al espectador.
El desarrollo, si bien es algo lento, no contiene ni una sóla escena sobrante o de relleno, todas tienen su significado, porque hasta las más incoherentes dibujan el carácter de los personajes. Y hay un buen puñado de ellas notables, sobre todo las que se refieren a intérpretes secundarios o que aparecen una sóla vez a lo largo del film, que no se pueden describir porque es mejor verlas. Todo ello dentro de una atmósfera y un guión genialmente insanos, con una buena dosis de brutalidad, envuelto de escenarios abiertos y desolados, y mucha química de sus personajes, a pesar de las características extremadamente violentas y desarraigadas que exhiben. La mirada psicópata de Javier Bardem pone los pelos de punta y te deja impactado en más de una escena, una de las expresiones faciales más enfermizas que he visto. Tommy Lee Jones está magnífico como en pocas películas en el papel de sheriff y Joss Brolin, interpretando al buscavidas que se apodera del botín, podría ser un perfecto resumen del americano medio encepado en la segunda enmienda, que puede conseguir un arma de manera sencilla, o salir en el noticiario porque ha asesinado a unos cuantos en "legítima defensa".. esa América profunda aún a caballo entre el viejo oeste y la gran manzana. Todos quedan clavados en el espactador gracias a la genialidad de los Coen. Una auténtica obra maestra.

En el valle de Elah (de Paul Haggis)

No soy muy aficionada a los estrenos norteamericanos que hablen de "sus" guerras, por eso todavía no había visto esta película. Y creo que después del visionado, me reafirmaré en mis criterios y pensaré mejor la próxima vez qué hacer con mi tiempo libre. Paul Haggis hace del film dos en uno: por un lado relata la historia de un padre, veterano de guerra de Vietnam y orgulloso de su USA, sus marines y de "exportar" democracia, que investiga la desaparición de su hijo porque no regresa despúes de un permiso a la base militar. Cuando comienza el film, Tommy Lee Jones está impecable, transmite a la perfección angustia y sufimiento por la suerte del hijo (militar como él, por supuesto!).. pero sucede que la cinta avanza y nuestro protagonista mantiene la misma expresión durante hora y media, haciéndose cansino e insistente el abuso del director en recalcar el dolor del padre, y acabando por resultar anodina. Aún y todo, sobresale si lo comparamos con el papelito de Charlize Theron, policía que le ayuda a resolver el caso enfrentandose al mismísimo ejercito de los USA. Y digo bien, le ayuda, porque este papel no se sabe muy bien para qué está en la película, no resuelve nada de nada.. todo lo va descubriendo el padre que está años luz por delante del ejército y la policía, que es más listo que nadie y le va poniendo en bandeja las pruebas de que todos, excepto él, están equivocados. Ella se limita a colgarse la medalla con sus jefes y con el capo de la base, no desempeñando más papel que el de hacer bonito.. es curioso esto en los films norteamericanos. En este caso ni siquiera hace de florero, porque no está especialmente bella la señora y porque su interpretación deja bastente que desear, aunque hay que reconocer que tampoco resulta nada fácil compartir pantalla con Tommy Lee Jones y que no se te quede grande. Mención aparte merece Susan Sarandon, que las pocas veces que interviene lo hace magistralmente. Sus ojos tras la cortina del hospital militar son estremecedores, sin duda la mejor escena del film.

Decía que es "dos en uno" porque esta historia no se queda en un aburrido thriller. Pretende también ser una reflexión sobre la guerra de Irak, o al menos a cerca de cómo se está llevando a cabo. Pero es más de lo mismo, los americanos mirando su estupendo ombligo para autoconsumo del público estadounidense, mientras en Irak masacran a los "terroristas" (es decir, la resistencia del país que han invadido). Todos sabemos que la guerra es cruel, que los que vuelven lo hacen medio majaras o con graves secuelas, pero sólo ellos son capaces de excusar su sadismo con la dureza de las condiciones de Irak, elaborando una pantochada de crítica que no hace sino justificar sus incursiones por el mundo exportando su democracia. Particularmente, me la suda que los marines también tengan su corazoncito, supongo que a los habitantes de Irak también.
En las primeras escenas se ve a un soldado izando la bandera. El padre, experto y veterano, procede a explicarle cómo debe hacerlo correctamente. El final de la película, la misma escena, el padre izando la misma bandera pero boca abajo, parece ser que poner una bandera en un mastil boca abajo significa que ese país pide ayuda a los demás países, una especie de señal de socorro. Semejante desfachatez es el broche final, cínico como lo es su USA, impúdico como el modo de vida que elogian, y tan presuntuoso como la capacidad creativa de su director.
Pues eso, que seguramente se llevará algún Oscar..

4 luni, 3 saptamani si 2 zile

4 MESES, 3
SEMANAS Y 2 DÍAS
de Cristian Mungiu (2007)

Otilia y Gabita comparten habitación en una residencia de estudiantes. Ambas van a la universidad en una pequeña ciudad de Rumanía durante los últimos días del comunismo. Otilia alquila una habitación en un hotel barato. Han quedado con un tal Sr. Bebe por la tarde. Gabita está embarazada, el aborto es ilegal y ninguna ha tenido que enfrentarse a algo así antes.

Ambientada en 1989, últimos días de la dictadura en Rumanía, la película está en la línea del cine Dogma claramente. Rodada cámara en mano, las escenas transcurren en tiempo real practicamente, sin música, sin iluminación artificial. Reconozco que la película tiene su mérito y es de buena calidad, pero a mí me ha dejado un sabor amargo de boca, supongo que por la temática que trata. Dura, pero muy dura. Destaca la interpretación de Anamaria Marinca, en el papel de Otilia; mientras que el trabajo de Laura Vasiliu, su compañera, resulta bastante plano. Lo mejorcito, la escena de Otilia en el cumpleaños en casa de sus suegros, muy lograda. La família se reune por el cumpleaños de la madre del él y Otilia está allí de rebote.. en la conversación se suman todos los temas políticos de la actualidad Rumana, perfecto retrato del perfil conservador de unos y progresista de otros; mientras, Otilia está fuera de juego con la mirada perdida y el rostro inexpresivo, y el novio subyugado a la situación cual títere de las circunstancias. Cuando Otilia pide un cigarrillo es el éxtasis de la escena.. simplemente sensacional.
En general, buenas actuaciones y buen tono narrativo, aunque resulta un tanto excesivo el movimiento de la cámara en las escenas exteriores. Mucho énfasis en los perfiles de los personajes, y muy densa en ese sentido.. supongo que va a gustos. A mí me lo ha dejado bastante agrio -el gusto, digo-, y en el pensamiento pues la suerte que en ciertas ocasiones de la vida tienen los varones de haber nacido eso, hombres. Se llevó la Palma de oro en Cannes.